domingo, 30 de novembro de 2014

O REENCONTRO

Nota 7,5 Embora com trama simples, drama cresce com interpretações naturais e roteiro afiado

Superar a dor. Há quem defenda que isso não existe, é impossível esquecer algo que nos faz sofrer. O que existe são acontecimentos que a própria vida se encarrega de colocar em nossos caminhos e que nos fazem ocupar a mente e o tempo, mas as perdas, sejam físicas ou emocionais, permanecem no subconsciente podendo ou não voltarem à tona com certa frequência. Isso vai depender de como cada um reage a algo negativo, o grau de interferência do problema em sua vida e inúmeros agentes externos, tanto positivos quanto negativos. Muitos filmes já abordaram tal temática por inúmeros vieses, assim primar pela originalidade é uma barreira a ser vencida por esta espécie de subgênero dramático. É esse o grande desafio de O Reencontro que logo em seus primeiros minutos entrega sem rodeios seu propósito: simplesmente emocionar. E nem é preciso muito esforço para tanto. O roteiro de Guy Thomas tem como alicerces diversos clichês já testados e aprovados para levar o espectador às lágrimas.  Monte Wildhom (Morgan Freeman) é um escritor que já viveu tempos áureos com suas histórias de faroeste, mas deixou de lado  há alguns anos a escrita assim como o gosto pela vida após perder a esposa em um acidente e ter ficado paraplégico e condenado a depender de uma cadeira de rodas. A contra-gosto ele aceita a proposta do sobrinho Henry (Kenan Thompson) de ir passar uma temporada na casa de um amigo que estava viajando. Localizado próximo a um lago na pacata cidade de Belle Isle, o local seria perfeito para relaxar e inspirar o sujeito ranzinza a voltar a criar, mas nem mesmo a companhia de sua boa e velha máquina de escrever o motiva mais. Tudo que Wildhom quer é se embebedar com uísque para esquecer de seus problemas e se afastar mais ainda da realidade, embora nunca perca a lucidez por completo. Isso até que ele conhece sua nova vizinha, Charlotte O´Neill (Virginia Madsen), e suas três filhas, a adolescente Willow (Madeline Carroll), Finn (Emma Fuhrmann), a do meio, e a caçula Flora (Nicolette Pierini). É a convivência com essa família que justifica o título nacional: o reencontro do protagonista com o prazer de viver.

sábado, 29 de novembro de 2014

EU ESTOU ESPERANDO POR VOCÊ

Nota 1,0 Com tipos insossos e trama batida, fita de serial killer não conquista nem fãs do gênero

Quem foi adolescente no final da década de 1990 teve o prazer de vivenciar um pouco do que certamente seus pais viveram alguns anos antes. Seja em fitas VHS ou DVD, um dos programas preferidos dos jovens era se reunir na casa de algum amigo a noite para curtir uma sessão de terror, principalmente as fitas protagonizadas por psicopatas como Sexta-Feira 13 e A Hora do Pesadelo. Quando o gênero dos slashers movie parecia sepultado, Pânico deu sobrevida aos mascarados deitando e rolando em cima dos clichês e da ignorância de certos perfis de personagens, fórmula que também garantiu o sucesso de Lenda Urbana e Eu Sei o Que Vocês Fizeram no Verão Passado. Muitas outras fitas menores surgiram querendo aproveitar tal onda, a maioria não fazendo questão alguma de esconder a falta de criatividade como, por exemplo, Eu Estou Esperando Por Você. Só o título já é um aviso de que vem bomba por aí. A produção é totalmente desnecessária, apenas requentando clichês e até mesmo repetindo erros de outros filmes semelhantes. Sarah Zoltanne (Sarah Chalke) e sua mãe Rosemary (Markie Post) acabam de se mudar para uma casa na região do Massachussets, na Nova Inglaterra, uma construção cercada de mistérios e que parece que literalmente parou no tempo, mais especificamente há três séculos. Desde sua chegada a jovem tem recebido telefonemas anônimos nos quais uma voz sinistra diz  a frase que intitula a fita. Além disso ela vem sendo atormentada por pesadelos que tem com uma jovem também chamada Sarah que, segundo a lenda local, séculos atrás fora queimada em uma fogueira nessa mesma casa rotulada como uma bruxa prometendo voltar para se vingar dos descendentes daqueles que lhe condenaram a morte. É claro que tais vítimas não por acaso farão parte do círculo social da protagonista, ainda que não sejam seus amigos, apenas jovens bobocas e metidos a populares no colégio e que azucrinam os novatos e a quem tacham como esquisitos.

sexta-feira, 28 de novembro de 2014

OS GIRASSÓIS DA RÚSSIA

NOTA 8,5

Considerado hoje em dia uma
obra-prima, longa foi criticado
na época do lançamento devido
ao sentimentalismo exagerado
O cineasta italiano Vittorio De Sica tem um currículo repleto de obras hoje consideradas clássicas, como Ladrões de Bicicletas e Matrimônio à Italiana, mas algumas delas curiosamente sofreram repúdio da crítica quando lançadas, como é o caso do belíssimo drama Os Girassóis da Rússia, obra injustiçada nos anos 70 sendo acusada de apelativa e de sentimentalismo barato, algo inaceitável na visão dos especialistas para fazer parte do currículo de um grande diretor. Também há boatos de que o passado de estilo neorrealista deste profissional foi deixado de lado neste caso com o único objetivo de fazer um filme que valorizasse a personagem feminina central, interpretada por Sophia Loren, não por acaso esposa do produtor da fita, Carlo Ponti. Picuinhas à parte, felizmente o tempo passou e fez muito bem à produção que ao longo dos anos acabou conquistando a atenção do público e criando fãs cativos que hoje querem que as novas gerações se encantem com esta história. Com argumento e roteiro de Tonino Guerra e Cesare Zavattini, com a colaboração de Gheorghij Mdivani, a trama se passa em plena época da Segunda Guerra Mundial, quando Giovanna (Sophia Loren) e Antonio (Marcello Mastroianni) se apaixonam perdidamente e partem em lua-de-mel, porém, a felicidade dura pouco. Os perigos dos tempos de confronto se aproximam e o rapaz é obrigado a ir à Rússia para lutar. Os anos passam e quando os sobreviventes retornam Giovanna se enche de esperanças, mas seu amado não regressa. Ela é avisada por um soldado que a última vez que ele viu Antonio seu estado físico estava muito debilitado e dificilmente teria conseguido sobreviver. Todavia, confiante de que ele está vivo, ela parte para a Rússia com toda a coragem para encontrá-lo ou ao menos conseguir notícias. Chegando lá, ela consegue descobrir onde o marido está, mas acaba tendo uma desagradável surpresa. Ele agora vive na casa de uma moça russa chamada Mascia (Ludmila Savelyeva) e está levando uma vida muito diferente, justamente um homem que se declarava inimigo irremediável dos russos. Neste momento, Giovanna precisa se decidir entre lutar pelo seu amor ou seguir seu caminho sem ele.

quinta-feira, 27 de novembro de 2014

OS QUERIDINHOS DA AMÉRICA

NOTA 4,0

Elenco de peso e premissa
interessante são perdidos
em filme simplório que
prometia muito mais
Julia Roberts nos últimos tempos tem feito poucos filmes, preferindo se dedicar as personagens de mãe e dona de casa na vida real, mas nos anos 90 sua vida era bem diferente. Estrelou muitos filmes, procurou desafios na carreira e cada passo seu era vigiado por fotógrafos e jornalistas de plantão. Ela fechou sua década de sucesso ironicamente vivendo uma estrela de cinema em Um Lugar Chamado Notting Hill como se desse um recado à imprensa dizendo que sua profissão é a de atriz e que ela tem o dever de cumprir sua agenda de eventos ligados a seus filmes, mas quando está fora dos sets de filmagens ou das entrevistas coletivas ela é uma mulher comum que deseja ser amada, ter uma família e acima de tudo ter privacidade. Dois anos depois ela teve uma nova chance de expor implicitamente seus pensamentos quanto aos mecanismos da indústria do entretenimento e da fofoca, mas desta vez a crítica parecia um pouco mais ácida. Os Queridinhos da América é na teoria uma espécie de vingança dos envolvidos na produção de um filme contra os profissionais do jornalismo que quando participam de uma coletiva de lançamento não estão muito atrás de ver se o produto final ficou bacana, mas sim em flagrar gafes, desentendimentos ou deslizes das estrelas. Convidada para ser a protagonista, Julia preferiu um papel mais discreto, porém, não menos importante na trama. Ela vive Kiki, uma mulher tímida que trabalha como assistente de sua irmã Gwen Harrison (Catherine Zeta-Jones), uma famosa atriz de Hollywood que está prestes a se separar definitivamente de seu marido, o também ator Eddie Thomas (John Cusack), um cara metido a galã que não se conforma que sua ex está de caso com o galanteador espanhol Hector (Hank Azaria). O problema é que a vida conjugal destes astros está intimamente ligada com o sucesso profissional de ambos. Após estrelarem quase uma dezena de produções, agora eles têm um novo lançamento para entrar em circuito de exibição e precisam manter as aparências durante algum tempo de que ainda formam um casal feliz e apaixonado.

quarta-feira, 26 de novembro de 2014

PRONTA PARA AMAR

NOTA 5,0

Longa tragicômico é ligeiro,
não aprofunda conflitos e
conta com um casal cujo
romance não empolga
Existem dois tipos de filmes que costumam garantir boas bilheterias ou repercussão mesmo quando lançadas diretamente em home vídeo e ainda demonstrar força para se tornarem aquelas produções que ficam eternizadas nas mentes do público. Dramas acerca de doenças e comédias românticas sem dúvidas são paixões universais e a junção destes gêneros só poderia trazer resultados positivos. Bem, Pronta Para Amar prova que nem sempre tal fórmula mágica funciona. O grande problema se encontra no roteiro da estreante Gren Wells que cria uma protagonista carregada de conflitos, mas a maioria mal explicados, pouco explorados e vistos até com certa naturalidade pelas pessoas que a cercam. Marley Corbett (Kate Hudson) é realizada profissionalmente e vive a vida intensamente. Ela faz questão de propagar a ideia de que a mulher poder ser muito feliz sozinha e tem os mesmos direitos que o homem de se divertir o quanto quiser, incluindo rápidos relacionamentos, mesmo que eles durem apenas uma noite. Sua vida muda completamente quando descobre estar com câncer de cólon e que a doença está se espalhando rapidamente por seu corpo todo. A partir de então ela passa a se submeter a sofridos tratamentos e sua doença a aproxima mais dos amigos e da família, inclusive de seus pais que estão separados, mas a grande mudança é o fato de finalmente ela se apaixonar de verdade por alguém. O problema é que o tal homem é seu próprio médico, o latino Julian Godstein (Gael Garcia Bernal), que além da timidez coloca como barreira para esse amor o fato de sua profissão proibir o envolvimento mais íntimo com seus pacientes. A premissa é piegas, mas um drama verossímil e que merece sempre uma revisão, afinal de contas infelizmente todos os dias novas pessoas se encontram na mesma situação que a protagonista. Simplesmente de uma hora para a outra podem ser diagnosticadas com uma doença que por mais boa vontade que se tenha para encará-la com valentia inevitavelmente ela trará sempre algum pensamento triste. Abordar tal tema é importante, mas a forma de conduzir a narrativa é algo ainda mais preocupante e é nesse ponto que o caldo entorna neste longa. 

terça-feira, 25 de novembro de 2014

O DIA EM QUE A TERRA PAROU (2008)

NOTA 3,0

Refilmagem de clássico de
ficção científica traz mensagem
ambiental, mas ela se perde entre
trama enfadonha e efeitos visuais 
Existem muitos títulos de sucesso do passado que para as novas gerações são motivos de muita curiosidade, principalmente aqueles que marcaram época e cujo conteúdo tinha algum tipo de ligação com a realidade ou mensagem necessária para aquele momento. Guerra dos Mundos, por exemplo, foi uma bem sucedida ficção científica que usou o conflito entre os humanos e os extraterrestres como uma alusão a um conflito bélico (quando o conto foi redigido) e posteriormente como uma metáfora ao comportamento dos humanos que diante de uma ameaça abandona qualquer tipo de princípio visando seu bem estar. Steven Spielberg resolveu refazer o clássico em 2005 e acabou colhendo muito mais comentários negativos que o esperado, mas em compensação engordou em bons punhados de milhões de dólares sua conta bancária e a de sua produtora. Já o diretor Scott Derrickson, de O Exorcismo de Emily Rose, se deu mal tanto em bilheterias quanto em repercussão com o seu O Dia em que a Terra Parou, refilmagem da ficção homônima datada de 1951 na qual um alienígena vinha para a Terra com as melhores intenções, impedir que a violência humana se espalhasse pela galáxia (era o tempo das famosas bombas atômicas e a exploração do espaço avançava a passos largos), porém, é óbvio que sua recepção não foi nada amigável. Mais de meio século separa a obra assinada por Robert Wise e sua refilmagem e embora a violência só tenha se intensificado, a nova versão optou por levantar a bandeira do ambientalismo, mas sem deixar de criticar a conduta dos seres humanos com seu inerente ar superior, o que inevitavelmente gera conflitos nos mais variados campos. Sim, por trás de todo o verniz de blockbuster made in Hollywood existe um conteúdo a ser amplamente discutido, mas infelizmente ele acaba sendo sucumbido pelos efeitos especiais que, diga-se de passagem, neste caso parecem um tanto exagerados em vários momentos. Keanu Reeves é o cabeça do elenco interpretando Klaatu, o alienígena que aterrissa em pleno Central Park, em Nova York, junto com um gigantesco robô, batizado pelos americanos de Gort, ambos saídos de uma estranha esfera colorida. Na realidade, logo de cara não vemos o astro, mas nos deparamos com uma criatura envolta em uma espécie de gordura protetora, algo que mais a frente é comparado a um material que se assemelha a placenta de um bebê. Faz sentido afinal é essa camada nojenta que está protegendo o extraterrestre que para surpresa de todos se apresenta como um humano comum. A explicação, bem criativa, é de que os seres de outros planetas já estavam de olho nos terrestres há muito tempo e provavelmente já estiveram entre nós e realizando experimentos. Assim conseguiram recolher DNA humano para criar uma “armadura” para Klaatu, o que também justificaria sua rápida adaptação a nossa atmosfera e o poder de se comunicar normalmente em idioma local.

segunda-feira, 24 de novembro de 2014

LOUCAS POR AMOR, VICIADAS EM DINHEIRO

NOTA 6,0

Explorando o filão de golpistas
que se dão mal por suas inabilidades
para o crime, comédia é previsível
e com atuações histriônicas
Filmes sobre roubos e golpes a bancos e a milionários podem ser praticamente considerados subgêneros de ação, suspense e até de comédias. É bem grande a lista de títulos que investem em tais temas, desde bobagens lançadas diretamente em DVD protagonizadas por atores novatos ou fracassados até produções milionárias e com elenco de peso. As mulheres também têm vez nesse filão, mas geralmente repetem os papéis. Elas podem ser gostosonas que seduzem bobões bem de vida ou mal amadas cheias de grana que se apaixonam pelo primeiro vigarista que lhe dê um mínimo de atenção. Desde o boom das fitas VHS filmes do tipo já sofreram as mais diversas modificações e as fórmulas já foram requentadas a perder de vista, sendo que hoje dificilmente um trabalho do tipo surpreende sendo resumido a um passatempo indolor e perfeito para passar uma tarde de pernas pro ar ou chuvosa. Vendo por esse lado, o do puro entretenimento, é curiosa a enxurrada de críticas negativas que recebeu Loucas Por Amor, Viciadas em Dinheiro, uma comédia ligeira e que funciona bem em quase toda sua duração. A história começa nos apresentando à Bridget Cardigan (Diane Keaton), uma dona de casa de classe média que é surpreendida com a notícia de que pode perder sua casa e seu confortável estilo de vida quando seu marido Don (Ted Danson) é rebaixado de posto em seu trabalho. Tentando evitar que isto aconteça, ela resolve procurar um emprego, mas o problema é que ela nunca fez atividade alguma fora de casa, sempre viveu como uma dondoca. Com sorte ela acaba conseguindo um trabalho como zeladora no Federal Reserve Bank, o Banco Central americano, um local onde o que não falta é dinheiro. O problema é que as cédulas que estão dando sopa por lá vão parar no lixo pelo simples fato de estarem desgastadas. Para Bridget isto é um desperdício e logo ela bola um plano para conseguir roubar algumas notas, afinal de contas elas já não têm serventia para os donos da empresa, mas para a faxineira elas significariam a salvação de seu padrão de vida. Após fazer amizade com Nina Brewster (Queen Latifah), uma mãe solteira, e Jackie Truman (Katie Holmes), uma jovem avoada que nada tem a perder ou a quem dar satisfações, Bridget coloca em prática seu engenhoso plano. Ela é responsável pela limpeza e tem acesso a praticamente todos os cantos do banco. Já Jackie leva os carrinhos com o dinheiro coletado até Nina que por sua vez tem a missão de acionar a máquina que tritura as cédulas. Cansadas de serem sempre subestimadas, cada uma tem agora a chance de se sentir importante em algo e ainda lucrar com isso, mas a rápida mudança de vida do trio e seus excessos de compras chamam a atenção dos agentes fiscais que passam a investigá-las. O que era para ser um único roubo acabou se transformando em um hábito.

domingo, 23 de novembro de 2014

O SEGREDO DOS ANIMAIS

Nota 6,0 Repleto de clichês e animação simplória, desenho não explora argumento a fundo

O canal fechado Nicklodeon faz sucesso com seus desenhos multicoloridos e de traços fortes e característicos, mas a popularidade de suas produções não se repetem geralmente com seus lançamentos de cinema. Após a indicação ao Oscar de Melhor Animação por Jimmy Neutron - O Menino Gênio (mais para completar o time de selecionados do que por méritos) a empresa demorou cinco anos para voltar a se arriscar nas telonas. A demora não resultou em um projeto criativo ou ousado, pelo contrário. O Segredo dos Animais é uma reunião de clichês facilmente identificáveis até mesmo por criancinhas, a começar pelo argumento em si que bebe na fonte de Toy Story. Se a primeira parceria de sucesso entre a Disney e a Pixar investia na fantasia sobre a possibilidade dos brinquedos terem vida própria na ausência dos seus donos, na animação do roteirista, diretor e produtor Steve Oedekerk, experiente em comédias e tendo como destaque em seu currículo o texto do emocionante Patch Adams - O Amor é Contagioso, tal argumento sofre algumas pequenas modificações. O cenário é uma fazenda onde os animais literalmente fazem a festa quando o rancheiro vira as costas, o que de imediato também nos remete a ideia de A Fuga das Galinhas e com resquícios da derradeira animação tradicional da casa do Mickey Mouse, Nem Que a Vaca Tussa. O projeto surgiu certa vez que o diretor estava na casa de um amigo e observou que o seu cachorrinho não tirava os olhos dele, um olhar fixo como se quisesse dizer algo do tipo "a que horas esse cara vai embora?". E depois, o que o bichano faria? Iria comer, dormir ou curtir os agitos de uma balada com os animais da vizinhança? E assim Oedekerk bolou a história dos habitantes do rancho Barnyard (o título original da fita), que quando estão sozinhos aprontam mil e umas estripulias. Contudo, o touro Ben, o líder do grupo, está sempre tentando colocar ordem na bagunça e principalmente protegendo a todos contra o ataque de coiotes que invadem o sítio para caçar e saciar a fome.  Porém, há outro problema lhe tirando o sossego.

sábado, 22 de novembro de 2014

TREM FANTASMA

Nota 1,0 Um maníaco perseguindo jovens incautos, você já sabe o final da viagem deste trem

A fita de horror Trem Fantasma não tem como cenário uma locomotiva assombrada por almas penadas. Muito melhor que isso. Explorando a propícia ambientação da atração homônima ao filme, uma das mais populares dos parques de diversões, o diretor Craig Singer deita e rola com as possibilidades oferecidas pelo brinquedo.... Quem dera fosse assim. Ainda que dispense o caminho manjado de espectros tocando o terror (argumento que também faria jus ao título), o roteiro do próprio cineasta em parceria com Robert Dean Klein aposta em um argumento nada original, algo desavergonhadamente copiado do clássico oitentista Pague Para Entrar, Reze Para Sair. As duas produções têm em comum o fato de terem um desenvolvimento lento na primeira parte baseado em diálogos para aproximar o espectador do universo dos personagens. A diferença é que Craig oferece conversas tão interessantes que anulam qualquer possibilidade de construção de um clima adequado para a proposta do longa. Em certos momentos ficamos na dúvida se a intenção era parodiar o gênero terror cruzando-o com o estilo American Pie e derivados já que drogas e sexo dominam o papo dos adolescentes protagonistas desta abobrinha, um elenco um tanto canastrão para combinar com uma produção que tenta tirar leite de pedra das batidas histórias de seriais killers. O prólogo se passa em 1989 num parque de diversões em New Jersey quando duas adolescentes gêmeas estão fazendo um passeio pelo tal trem fantasma, uma entusiasmadíssima enquanto a outra não esconde seu temor como se soubesse o que aconteceria. Ambas são vítimas dentro do próprio brinquedo de um maníaco que as esquarteja. O assassino é capturado pela polícia que encontra no local outros quatorze corpos. Ele é condenado a cumprir pena em uma prisão psiquiátrica e o parque é interditado, sendo reaberto ao público mais de quinze anos após o incidente. É nesse ponto que conhecemos uma turma de jovens que estão prestes a pôr o pé na estrada com destino à New Orleans para curtir um feriado, mas é claro que ao saberem sobre a reinauguração do brinquedo não vão resistir e decidem fazer um pequeno desvio na viagem e conferirem a atração antes do público. E tudo para economizarem uma noite de hotel! Já diz o ditado, o barato sai caro.

sexta-feira, 21 de novembro de 2014

AUSTRÁLIA

NOTA 8,0

Tentativa de resgatar a aura
dos antigos romances épicos
é um pouco exagerada, mas
longe de ser um filme ruim
Os tempos dos grandes épicos em longa metragem ficaram no passado junto com as lembranças de grandes atores que abrilhantaram as telas dos cinemas do mundo todo com seu talento, mas tem cineastas tentando trazê-los de volta a tona, porém, dividindo opiniões. Há algumas produções de época mais recentes que merecem uma avaliação melhor por parte do público e que podem dar o empurrãozinho que faltava para encorajar os cinéfilos que ainda preterem obras com mais de duas horas de duração ou com ares de superprodução. Austrália é um dos títulos que merecem uma segunda chance, um grandioso e requintado trabalho que foi achincalhado pela crítica e consequentemente pelo público. O problema é que os críticos consideram que este longa é muito certinho, não ousa em nada, copia a receita direitinho de grandes épicos e é um tanto pretensioso. Sim, verdade, mas qual é o problema? Se nas salas de cinema ele não foi um estouro, no conforto do lar com o controle remoto em mãos para algumas paradinhas de descanso o longa pode funcionar melhor e provar que tem seu valor, embora com ressalvas. Narrado pelo garoto aborígene Nullah (Brandon Walters), a história começa no final dos anos 30 nos apresentando à Lady Sarah Ashley (Nicole kidman), uma aristocrata que deixa a Inglaterra rumo à Austrália para ir ao encontro de seu marido que se preocupa mais em cuidar da propriedade rural da família e da criação de gados, porém, ela também desconfia que está sendo traída. Ao chegar ao continente australiano, Ashley não é recebida pelo companheiro, mas sim pelo rude vaqueiro Drover (Hugh Jackman), com quem desde o primeiro momento passa a trocar farpas. Para sua completa surpresa, a dama descobre que seu marido está morto e que agora terá que tomar conta dos negócios da família antes que vá totalmente à falência. Ela precisará vender sua propriedade a um preço muito baixo caso contrário terá que enfrentar King Carney (Bryan Brown), o responsável pelo comércio de carne da região. Nesse momento difícil em que toda a população local parece estar contra Sarah, ironicamente, é Drover quem a ajudará a superar as dificuldades, assim como a inesperada amizade com Nullah fará com que a aristocrata não se deixe abater. É o garoto que a alerta sobre um complô armado por gente influente para enganá-la. Essa é a premissa do roteiro escrito por Stuart Beattie, Ronald Harwood e Richard Flanagan sob a batuta e a partir da ideia do próprio diretor, o megalomaníaco Baz Luhrman. Tantas mãos e cabeças agindo e pensando em um mesmo trabalho precisam estar completamente em sintonia para o projeto funcionar e é aí que o caldo provavelmente entornou.

quinta-feira, 20 de novembro de 2014

BULLYING - PROVOCAÇÕES SEM LIMITES

NOTA 8,0

Longa espanhol trata com
seriedade um problema que
tem se agravado a cada dia,
principalmente nas escolas
Cada vez mais tem se tornado frequente acompanharmos nos noticiários tristes episódios que envolvem a falta de respeito ao próximo que parece imperar na era contemporânea pretensiosamente chamada de moderna, mas parece que muita gente ainda é dos tempos das cavernas tamanha a ignorância que demonstra rotineiramente. Desde um simples xingamento até agressões físicas nas ruas, ambiente escolar ou no trabalho podem ser considerados casos de bullying, palavra estrangeira que acabou sendo incorporada ao nosso vocabulário e que dá nome a algo que não é nenhuma novidade. Ninguém sabe há quantas dezenas de anos ou até mesmo séculos começaram os atos de humilhação e exploração de semelhantes, talvez no Brasil isso ocorra desde o primeiro dia em que a família real portuguesa colocou os pés em nossas terras. O histórico de sofrimento de índios, pardos e negros mostra que sempre existiram pessoas que gostavam de se colocar numa posição superior na comparação do nível intelectual, poder financeiro ou até mesmo de cor de pele. Os anos passaram, mas os preconceitos do passado ainda continuam no presente e infelizmente devem permanecer em evidência no futuro. Parece que faz parte da natureza de grande parte da população mundial essa mania de superioridade. Quando conseguem exercer poder sobre alguém aproveitam para assediar, persuadir, humilhar e agredir, podendo chegar a resultados extremos e perigosos. Uma das manifestações desse tipo de violência que mais preocupa ocorre nas escolas e envolve desde crianças pequenas até marmanjos cursando a faculdade. Até professores sofrem e por incrível que pareça também podem praticar os atos discriminatórios travestidos de brincadeirinhas que aos poucos podem se tornar grandes problemas e virar casos de polícia e de tribunal.  Bullying – Provocação Sem Limites é um registro cinematográfico digno do tema e que aparenta ser um filme americano independente, mas na verdade é uma produção da Espanha dirigida por Josecho San Mateo que demonstrou coragem ao colocar o dedo em uma ferida social apresentando um retrato realista do drama vivido por aqueles que são humilhados constantemente. Não seria exagero dizer que é uma obra que define bem uma geração, mas devido a sua baixa popularidade infelizmente isso não é possível. A repercussão razoável do título na internet se deve a palavra bullying que quando jogada em sites de busca fatalmente apresentará arquivos a respeito do filme, mas se o longa fosse made in Hollywood e com alguma estrelinha do momento encabeçando o elenco o papo seria outro. Poderia gerar cifras generosas, mas dificilmente o conteúdo seria tão bom.

quarta-feira, 19 de novembro de 2014

FALANDO DE SEXO

NOTA 7,5

De forma descontraída esta
comédia fala sobre a difícil
arte de se manter o amor e
o poder que a mentira possui
Lançado primeiramente em festivais, onde a princípio as comédias parecem ser pouco apreciadas, Falando de Sexo acabou ganhando o status, sem querer, de raridade cult. A fita é um dos poucos casos de obra que permaneceu inédita no circuito comercial do mundo todo por mais de dois anos. No Brasil, a espera foi ainda maior e mesmo quando lançada tudo foi feito de forma modesta, uma injustiça cometida com um divertido filme que fala de sexo de uma maneira bem humorada sem cair nos escrachos comuns das produções destinadas aos adolescentes, até porque seu público-alvo é mais maduro. Hoje são poucos os que conhecem esta divertida história. O diretor John McNaughton, de Garotas Selvagens, construiu uma narrativa que usa um tema comum em comédias, um casal em crise, mas a temperou com um delicioso clima de erotismo sem precisar exibir cenas constrangedoras e ainda introduziu personagens coadjuvantes tão interessantes quanto os protagonistas. A trama é desencadeada por Melinda (Melora Walters) e Dan (Jay Mohr) que formam um casal com sérios problemas de relacionamento. Eles não brigam o tempo todo, pelo contrário, até se dão muito bem no dia-a-dia. O caldo entorna mesmo é na cama, pois ele não consegue sentir desejo por ela e o seu "Sr. Feliz" (o apelido de seu pênis) não dá sinais de vida, o que não acontece quando está com outras mulheres. Quando o marido confessa que, acidentalmente, transou com uma garçonete dentro do próprio carro, sua esposa entra em profunda depressão achando que o problema dele só se manifesta com ela. O casal acaba procurando o auxílio da consultora matrimonial Emily Page (Lara Flynn Boyle), esta que os encaminha para um especialista em depressão, o Dr. Roger Klink (James Spader). Dan não acredita no tratamento, mas Melinda insiste e acaba sofrendo um abuso sexual por parte do médico. Apesar de tudo acontecer com seu consentimento, a jovem aceita a sugestão de Emily de levar o caso aos tribunais para tentar ganhar algum lucrar. Na realidade a doutora quer se vingar. Ela precisou pagar uma bela multa por ter anunciado seus serviços em um banco de espaço público e não acha justo que um profissional se relacione com uma paciente e fique tudo numa boa.

terça-feira, 18 de novembro de 2014

DE REPENTE 30

NOTA 8,5

Comédia exala nostalgia do
início ao fim e parece ter
sido encomendada para se
tornar clássico adolescente
Quem nunca imaginou quando era criança crescer rapidamente para poder fazer tudo o que quisesse sem ter que dar satisfações para os outros? Tal fantasia era um tema recorrente nas produções infanto-juvenis da década de 1980 e são essas memórias que provavelmente inspiraram o diretor Gary Winick a assumir as rédeas de De Repente 30, uma deliciosa comédia contemporânea, mas com um ar irresistivelmente nostálgico. O enredo gira em torno de uma pré-adolescente não muito popular no colégio que em um piscar de olhos se transforma em uma linda mulher. No dia do seu aniversário, com a ajuda de um pouco de um pó mágico, Jenna Rink (Jennifer Garner) pula da noite para o dia dos 13 para os 30 anos de idade e se transforma em uma mulher maravilhosa do jeito que sempre sonhou. Linda, com um cotidiano profissional agitado e muitos amigos novos, a vida desta jovem editora de uma popular revista feminina poderia ser a melhor possível, mas aos poucos ela se desanima. Nem tudo são flores. Ela mora sozinha, é muito namoradeira e interesseira, se afastou da família há anos e descobre que perdeu a amizade de Matt (Mark Ruffalo), seu melhor amigo nos tempos da escola. O pior é que ela não se lembra de nada que tenha feito para chegar ao que ela é hoje, uma pessoa ambiciosa e sem escrúpulos. A mágica que fez com que ela pulasse importantes partes da sua vida a impediu de vivenciar momentos que seriam cruciais para determinar seu caráter e personalidade futuros, mas o destino vai dar uma mãozinha para que ela tenha uma chance para consertar tudo que fez de mal em seu passado desconhecido. Ela consegue reencontrar Matt e está disposta a reverter seus erros e compreender melhor sua situação no presente para voltar a ser a mesma Jenna de dezessete anos atrás.
 

segunda-feira, 17 de novembro de 2014

CASO 39

NOTA 1,0

Forçando mais uma vez guela

abaixo a história de uma criança
ligada à forças malignas, longa é
extremamente chato e previsível 
Se não bastasse Hollywood recorrer a refilmagens de produções estrangeiras para tapear sua crise de criatividade, também é moda por lá seduzir cineastas com carreiras promissoras em seus países de origem com a promessa de bons trabalhos. Se arrependimento matasse... Após dirigir dois longas de terror de relativo sucesso na Alemanha e com eles conquistar alguns prêmios em festivais internacionais, o diretor Christian Alvart foi levado os states para dirigir a ficção científica Pandorum. Escondido da imprensa brasileira, o longa passou em brancas nuvens repetindo seu anonimato no cenário internacional. A redenção poderia ter vindo com o suspense Caso 39, mas o resultado irregular é justificável pelo acúmulo de clichês que não levam a lugar algum. A trama escrita por Roy Wright, do também fraquíssimo suspense Pulse, tem como protagonista Emily Jenkins (Renée Zellweger), uma assistente social especializada em casos de maus tratos contra menores. Se já não bastassem as 38 investigações com as quais está envolvida, a moça ainda é incumbida de resolver o problema que dá título ao filme, uma situação que transformará sua vida em um verdadeiro inferno. A garota Lilith Sullivan (Jodelle Ferland) é uma criança que está correndo riscos convivendo com os próprios pais, diga-se de passagem, estranhíssimos. Na hora de colocar tudo em partos limpos a mesma nega que sofre violência em casa, mas Emily percebe a mentira e resolve interceder drasticamente. Após salvá-la de literalmente quase virar um assado (!), a assistente social decide adotar legalmente a menina e é aí que os problemas começam. Estranhos eventos passam a acontecer no cotidiano desta pacata mulher e revelam que a criança aparentemente inocente na verdade esconde ligações com forças malignas.

domingo, 16 de novembro de 2014

SONHO PROIBIDO

Nota 8,0 Drama de época traz à tona a eterna rixa entre o compromisso religioso e o prazer 

Franco Zefirelli é um diretor que divide a crítica. Já foi muito elogiado pelas transposições para o cinema de peças de Shakespeare e até de famosas óperas, porém, também é muito execrado por causa do forte sentimentalismo presente em seus trabalhos. Ao contrário da fama da maioria dos cineastas europeus o italiano não busca exatamente fazer uma obra de arte com seus filmes, apesar de que o resultado geralmente seja próximo, mas busca fazer um cinema explicitamente mais comercial. Partindo de histórias clássicas que permitam que os personagens transitem em cenários de encher os olhos e vistam belos figurinos, o diretor procura sempre se cercar de um elenco de fora do território italiano visando que suas produções obtenham êxito em qualquer lugar que forem exibidas. Várias delas são de fácil acesso em lojas e locadoras, desde uma antiguidade como Irmão Sol, Irmã Lua até mais recentes como Chá com Mussolini, mas, infelizmente, algumas foram esquecidas, como, por exemplo, Sonho Proibido escrito pelo próprio diretor em parceria com Allan Baker. Baseado no romance "Storia de una Capinera", escrito por Giovanni Verga e publicado originalmente em 1870, a história se passa na Sicília, na Itália, em uma época em que uma epidemia de cólera ameaçava as vidas de todos os habitantes do local. Por ordem superior, as noviças também eram obrigadas a abandonar o convento e retornar para as casas de suas famílias até que não existisse mais o risco de ninguém contrair a doença. Maria (Angela Bettis) é uma destas jovens. Ela vive com as madres desde quando era criança. Para Mathilde (Sinead Cusack), sua madrasta, a volta repentina da enteada não é bem vista, pois ela teme que as tentações do mundo desviem as atenções da moça do caminho que ela estava seguindo até então. Realmente, é muito difícil alguém conseguir se manter afastado da rotina de uma região quando não se está enclausurado, assim, a noviça passa a viver intensamente o cotidiano do vilarejo onde sua família reside e acaba despertando a atenção de um rapaz, Nino (Jonathon Schaech).

sábado, 15 de novembro de 2014

PASSADO DE SANGUE

Nota 6,0 Mescla de drama e suspense envolvendo refugiados de guerra é passatempo ligeiro

Quando falamos em guerra é comum nos lembramos de conflitos marcantes do passado, mas ainda há muitas batalhas sangrentas travadas pelo mundo todo. Estranhamente, mesmo com todo aparato tecnológico e de comunicação disponível hoje em dia, poucos desses fatos chegam ao conhecimento público, principalmente quando envolvem regiões onde a miséria e o descaso de autoridades são inerentes. O drama com pitadas de suspense Passado de Sangue não enfoca a guerra propriamente dita, mas sim as dificuldades pelas quais passam os refugiados, pessoas que por mais que se esforcem dificilmente deixarão de ser estigmatizados nos países onde buscam abrigo. Vistos como imigrantes que ajudam a inflar as estatísticas de desemprego ou até mesmo de crimes, a situação é ainda mais agravante quando a cor da pele torna-se motivo para aumentar o preconceito. Na trama escrita e dirigida por David Gleeson acompanhamos o drama vivido por Joe Yumba (Eriq Ebouaney) que fugiu das péssimas condições de vida do Congo para tentar a sorte na Irlanda, mas desde sua chegada as coisas não foram nada fáceis. Demorou muito para conseguir o documento que lhe permitiria viver e trabalhar no país tranquilamente, uma grande sondagem para certificarem-se de que não era um criminoso infiltrando-se em terras europeias, mas isso não evitou que ele se tornasse um dos principais suspeitos de um assalto ao banco onde trabalhava como segurança. Na realidade este homem se envolveu realmente com tal fato, mas tentando fazer o bem. Ele recebeu em sua casa os refugiados Kala (Fatou N’Diaye) e o garoto Daniel (Brian Eli Ssebunya) e os assumiu como sua família para evitar problemas a seus compatriotas que também fugiam da sangrenta guerra civil em seu país natal.

sexta-feira, 14 de novembro de 2014

A CHAMADA

NOTA 6,0

Premissa promete trama intricada
e crítica a respeito da manipulação da
tecnologia e ganância humana, mas no fim
das contas é apenas um passatempo ligeiro
Já faz muito tempo que o celular deixou de ser apenas um meio de comunicação para quando as pessoas estão fora de casa. Muita gente já abandonou os telefones fixos e optou por ficar apenas com um ou mais aparelhos móveis, assim não raramente encontramos pessoas que chegam a dormir com eles ligados ou viciados que não conseguem mais ficar cinco minutos sem verificar ou enviar torpedos. Coitados dos operadores de telemarketing que simplesmente para cumprirem suas tarefas podem comprar brigas feias com os usuários que podem ser encontrados não apenas na intimidade do lar, mas também no trabalho ou na hora do lazer. É o preço da modernidade. E se uma dessas inconvenientes intervenções pudesse lhe enriquecer? Em tempos em que muita gente cai em golpes sedutores (você foi sorteado) ou angustiantes (manipular a pessoa dizendo que está com algum parente sequestrado) vem muito bem a calhar a premissa do suspense A Chamada que resvala na crítica a dependência da tecnologia, ganância do ser humano e soberania norte-americana aparentemente inabalável. O roteiro de Michael Nitsberg e Kevin Elders conta a história de Max Peterson (Shane West), um jovem engenheiro de computação que estava em Bangkok a trabalho e antes de deixar o hotel recebeu um embrulho misterioso. Na caixa havia um moderno celular, um modelo bem mais evoluído que os disponíveis no mercado, e não demora muito chega uma mensagem de texto a respeito de uma promoção do hotel para os hóspedes prolongarem a estadia pelo fim de semana. Peterson resolve aproveitar o bônus e se surpreende com a coincidência que o avião em que voltaria para os EUA acabou caindo e não houve sobreviventes. Funcionários do hotel desconhecem tal comunicação e confiando que o celular lhe deu sorte o engenheiro decide seguir o conselho de um novo torpedo e segue para a República Tcheca onde na porta do aeroporto conhece Yuri Melinin (Bergey Gubanov), um rapaz que faz bicos como motorista e vende tudo quanto é bugiganga tecnológica, mas desconhece um modelo tão sofisticado de celular. Mesmo sem conseguir informações sobre o remetente das mensagens, Peterson começa a curtir o que está acontecendo quando passa a receber dicas de jogatinas.

quinta-feira, 13 de novembro de 2014

A NEGOCIAÇÃO (2012)

NOTA 7,0

Milionário vê seu mundo perfeito
desmoronar quando segredos
obscuros de sua vida ameaçam vir
a tona em drama envolvente
Dinheiro não é tudo, pois mesmo milionário é impossível se comprar a plena felicidade. Pensamentos do tipo são muito bonitos, cheio de significados emocionais, mas o fato é que o dinheiro pode não comprar a felicidade diretamente, mas é com ele que conseguimos alguns bens materiais que possam nos levar a satisfação esperada. Não adiante querer viver na utopia do sobreviver apenas com o necessário. Vivemos em um mundo capitalista e egoísta que nos força a desejar sempre ter mais do que precisamos. O cinema rotineiramente explora a relação dos seres humanos com finanças e nem mesmo as classes mais abastadas escapam do foco. Sim, quem é rico também deseja ter mais, porém, a ganância pode trazer consequências. Em tempos de crise mundial, é bom se deparar com trabalhos como A Negociação que abordam a relação das pessoas que lidam diretamente com a falência econômica e que consequentemente adquirem problemas para suas vidas pessoais, afinal quem passou anos a base de champanhe nem em sonho quer sentir o sabor de cidra barata. Na trama escrita por Nicholas Jarecki, aqui também estreando como diretor, Richard Gere dá vida a Robert Miller, um charmoso e perspicaz milionário que está prestes a vender sua empresa de investimentos para um renomado banco, mas precisa fazer essa transação o mais rápido possível para evitar que uma fraude realizada por ele mesmo seja descoberta. Todavia, a justificativa formal para a venda é que ele já trabalhou muito e agora que já é um sessentão quer recuperar o tempo que perdeu no escritório e em viagens de trabalho dedicando-se mais a sua família, a desculpa de praxe dos homens de meia-idade que percebem que a vida passa rápido tardiamente. Logo no início nos deparamos com uma cena que evoca a vida perfeita do magnata em meio a seus familiares para comemorar seu aniversário, mas ele acaba abandonando a festa antes do fim por conta de problemas urgentes a serem resolvidos em seu escritório após alguns dias de viagem, a trabalho é claro. Ellen (Susan Sarandon), sua esposa e responsável pelas ações filantrópicas da empresa, mostra-se compreensiva e se despede carinhosamente deixando latente que existe amor neste relacionamento mesmo após tantos anos de união. No entanto, o executivo mentiu e está a caminho da casa da amante.

quarta-feira, 12 de novembro de 2014

VIAGEM A DARJEELING

NOTA 8,0

Viajando pela mística Índia,
mais uma vez o diretor Wes
Anderson convoca um bizarro clã
para encenar seu louco universo
Após o funeral do pai acontecido há um ano, três irmãos já beirando a casa dos quarenta anos se reencontram em uma viagem de trem rumo a uma terra que inspira o lado místico e espiritual de qualquer um e assim têm a oportunidade de resgatarem os laços fraternais, mas sentem que só após verem a mãe terão a sensação de dever cumprido e memória do falecido honrada. O argumento de Viagem a Darjeeling é relativamente simples, mas sabendo ser um filme do diretor Wes Anderson a única certeza é que excentricidade é a palavra de ordem. Depois que Os Excêntricos Tenembaums causou certo burburinho entre cinéfilos, o nome do cineasta rapidamente transformou-se em uma espécie de grife cinematográfica, contudo, o filme em questão, apenas o seu quinto longa, mostra que sua obsessão por explorar o cotidiano de famílias bizarras não demorou a dar sinais de cansaço, até porque mais uma vez Owen Wilson, Bill Murray e Anjelica Huston aceitaram viver excêntricos papéis, assim como também ocorreu no longa anterior de Anderson, A Vida Marinha com Steve Zissou. Sai de cena o barco e o fresco clima marinho de um para dar espaço ao trem e as altas temperaturas exaladas pelas paisagens do outro. Não é errado dizer que praticamente só muda a ambientação das tramas, mas também não é certo resumir que a louca viagem proposta rumo à Índia é apenas uma reedição do texto anterior do diretor. Dividindo os créditos de roteirista com Roman Coppola e o ator Jason Schwartzman, Anderson dá continuidade a sua jornada por territórios desconhecidos e voyeurismo acerca de tipos estranhos contando a história dos irmãos Whitman. Francis (Wilson), Jack (Schwartzman) e Peter (Adrien Brody) estão sem se falar há um ano, mas decidiram realizar uma viagem pela Índia a bordo do trem Darjeeling Limited com o objetivo de acabarem com a barreira existente entre eles e também para se limparem espiritualmente. Entretanto, devido a incidentes envolvendo a compra de analgésicos sem prescrição médica, o uso de um xarope local para tosse e um spray de pimenta, além de outros tantos tropeços, a viagem logo muda de rumo e faz com que os rapazes fiquem perdidos no meio do deserto com exatas onze malas, uma impressora e uma máquina plastificadora. Contudo, a vontade de reencontrar Patricia (Huston), a mãe que agora vive como missionária, faz o trio ter coragem para enfrentar as adversidades e assim cumprir suas metas.

terça-feira, 11 de novembro de 2014

MAX PAYNE

NOTA 4,0

Adaptado de um jogo de videogame,
longa de ação é um amontoado de
clichês escamoteados por visual
chamativo, mas a trama não cativa
Há quem critique a falta de originalidade do cinema nos últimos anos por conta das diversas obras oriundas de fontes como livros e quadrinhos, mas desde seu surgimento são comuns as adaptações transpondo o conteúdo de um tipo de mídia para outro. Para a alegria de alguns e tristezas de outros, os mundos imaginários que ganhavam múltiplas interpretações a cada avanço de página passaram a ter imagens concretas e praticamente definitivas. Com o sucesso de adaptações de HQs, o que praticamente criou um subgênero para as categorias de ação e aventura, Hollywood logo buscou um novo caminho para lucrar e assim tornaram-se moda os filmes inspirados em videogames. Universos que de certa forma já são apresentados ao público com personagens e ambientações dotados de “vida própria” o que poderiam oferecer ao espectador de cinema? Resposta: praticamente nada, apenas produtos rapidamente esquecíveis e de valor apenas para fãs ferrenhos da “malhação de polegares”. No passado, games populares como “Super Mario Bros” e “Mortal Kombat” tentaram uma sobrevida nas telonas e decepcionaram, mas esporádicos sucessos como dos filmes de Lara Croft pertencente ao jogo “Tomb Rider” instigam produtores a investir nesta seara. Sem apelo algum infanto-juvenil, Max Payne é mais um equívoco a ser somado à lista de tentativas. O roteirista estreante Beau Thorne procurou ser fiel ao game original mantendo a premissa, nomes de personagens, referências à mitologia da cultura nórdica e até copiando cenas do jogo, como a introdução dentro de um banheiro de metrô onde as intensas trocas de tiros têm start. Max Payne (Mark Wahlberg) é um ex-policial rebelde sem muita consideração pelas regras e que não tem nada a perder. Determinado a se vingar dos assassinatos brutais de sua esposa e filho ocorridos há três anos, nada o deterá até que encontre os responsáveis que fazem parte de um cartel que lucra com a venda de uma droga chamada Valquíria. Entretanto, sua obcecada investigação o leva a um pesadelo no qual fantasias macabras se chocam com a dura realidade. Ele entra para o departamento antidrogas, mas ao mesmo tempo infiltra-se na máfia. Ao ser injustamente acusado de um homicídio, Payne passa a ser perseguido por policiais e também por criminosos e à medida que se aprofunda no mistério é forçado a lutar com inimigos que não pertencem ao mundo real, extrapolando os limites de sua própria sanidade.

segunda-feira, 10 de novembro de 2014

ONDAS DO DESTINO

NOTA 10,0

Na época deste lançamento o polêmico
diretor Lars von Trier não tinha o status
de hoje, mas já imprimia em seu trabalho
suas marcas e sabia como provocar a plateia
O cineasta dinamarquês Lars von Trier sempre que lança um filme colhe em proporções semelhantes críticas negativas e também elogios rasgados, mas uma coisa é certa: polêmicas à vista. Às vezes é difícil distinguir se realmente é seu trabalho que chama a atenção ou se as situações controversas que o diretor provoca em aparições públicas é que atraem os holofotes, como na ocasião em que foi banido do festival de Cannes acusado de fazer apologia ao nazismo. De qualquer forma, quando chegam aos cinemas suas obras costumam levar um considerável número de cinéfilos às salas de exibição e um fato curioso é que quando são lançadas em DVD não costumam permanecer por muito tempo no mercado, virando objetos de sonhos de consumo de muitos cinéfilos. Episódios do tipo geralmente são justificados pela baixa procura que não cobriria os custos de manutenção dos títulos na praça, mas no caso da filmografia de Trier a desculpa não cola. Aguçar a vontade dos fãs parece ser a alma do negócio, afinal ele é um profissional com estilo bem definido, que não faz concessões e nem pensa em fins lucrativos, ao menos não em um primeiro momento. Seus trabalhos geralmente expõem uma figura feminina incompreendida em destaque em meio a um ambiente onde os aspectos negativos do ser humano são realçados como mensagens diretas ou indiretas ao próprio espectador, este que pode concordar, se ofender, assumir que não compreendeu bulhufas ou encher a boca para dizer que amou um filme quando na verdade não entendeu absolutamente nada. Foi assim com Dançando no Escuro, Dogville, Manderlay, Anticristo, Melancolia e em Ninfomaníaca. Confuso, agressivo, deprimente ou insano, o fato é que o cinema de Trier é único e seu nome é um dos mais cultuados da história recente da sétima arte. O que pouca gente sabe é que o diretor também realizou uma obra nesses mesmos moldes que teve seu reconhecimento em sua época, mas que havia sido esquecida nos tempos das fitas VHS. Direitos autorais, estratégias comerciais ou pura falta de conhecimento de quem trabalho no ramo de distribuição? Seja qual for o motivo, é de se estranhar a demora para Ondas do Destino ser relançado em DVD, mas antes tarde do que nunca. Felizmente o título voltou ao mercado, ainda que aparente ser apenas um produto especial que em breve também se tornará raridade.

domingo, 9 de novembro de 2014

INTRIGAS

Nota 6,0 Destinado a adolescentes, longa é acima da média e traz questionamentos relevantes

Fofoca como tema de um filme. Pode parecer algo abstrato, mas que rende boas histórias, vide o apoio da crítica e das premiações à obras como Desejo e Reparação e Dúvida, ambos sobre boatos maldosos que acabaram por interferir drasticamente no curso natural da vida de seus envolvidos. Lançado anos antes, o pouco visto e tampouco lembrado Intrigas se apoia justamente sobre o quanto uma mentira pode destruir reputações e levar a situações perigosas e irreversíveis, no caso um problema instaurado em ambiente universitário e contemporâneo (lembrando que é uma produção do ano de 2000, mas que não deve diferenciar muito do universo teen dos anos seguintes). Uma aula do professor Goldwin (Eric Bogosian) abordando o poder da mídia e usando como exemplo um caso verídico envolvendo o ex-jogador e ator O. J. Simpson acaba por despertar o interesse dos estudantes Derrick Wedd (James Marsden) , Cathy Jones (Lena Headey) e Travis (Norman Reedus) que resolvem se divertir espalhando um boato pela faculdade para ver qual seria a reação de outros estudantes. As vítimas seriam Naomi Preston (Kate Hudson) e seu namorado Beau (Joshua Jackson), dois jovens ricos, bonitos e de reputação irretocável, perfis que comumente despertam inveja. Ao ver a jovem alcoolizada nos braços do rapaz durante uma festa, o trio de desocupados espalha uma pequena fofoca sobre a intimidade do casal, mas as coisas fogem do controle e Beau acaba sendo preso acusado de estupro. Embora de fato nada demais tenha acontecido entre eles, justamente naquela noite o estudante apresentou comportamento um pouco alterado o que leva a namorada, uma puritana convicta, a acreditar que foi mesmo violentada enquanto estava desacordada e presta queixa contra ele. Cathy se arrepende do que fez e resolve desfazer o mal entendido, mas conforme se aproxima de Naomi ela descobre coisas que não sabia sobre Wedd, até então seu melhor amigo.

sábado, 8 de novembro de 2014

FLORESTA DOS CONDENADOS

Nota 0,5 Só vale pelo voo de câmera que captura a floresta de cima ilustrando créditos iniciais

Florestas amaldiçoadas há muito tempo já não causam o medo esperado, mas ainda existem cineastas que insistem na fórmula e colocam os mais variados tipos de ameaças para habitar as matas fechadas e atacar os turistas incautos. Floresta dos Condenados já começa clichê com uma frase profética retirada de algum livro bíblico para explicar o argumento pifiamente desenvolvido pelo roteiro de Joseph London e Johannes Roberts, este também diretor da fita. Reza a lenda que existem belas, sedutoras e perigosas ninfas que se escondem nas regiões sombrias de uma antiga floresta. Expulsas do Paraíso por terem sido contaminadas pelas emoções humanas de sensualidade e desejo, as outrora anjas caíram na Terra e há centenas de anos vagam atraindo vítimas com seus belos corpos desnudos para depois mostrarem suas verdadeiras feições. Com características vampirescas, atacam para saciarem a vontade de sangue até levarem suas presas à morte. Sem preocupação alguma de surpreender o espectador, é óbvio que a trama lança um grupo de jovens insuportáveis para se perder por esta mesma região. Acidentalmente eles atropelam uma mulher quando estavam a caminho de uns dias no campo, mas atordoados, feridos e cansados, vagam no meio do nada em busca de ajuda até que dois deles, Judd (Daniel Maclagan) e Molly (Nicole Petty), encontram uma cabana escondida no coração do matagal. Todavia, quando pensam estar a salvo é que os problemas começam de verdade. A casa pertence a Stephen (Tom Savini), um sujeito esquisitão atordoado pelas lembranças de infância quando viu com seus próprios olhos as ninfas assassinarem brutalmente seus pais. Ele cresceu solitariamente na floresta e sequestra turistas perdidos a fim de usá-los como iscas para colocar em prática seus planos de vingança contra as criaturas demoníacas que arruinaram sua vida.

sexta-feira, 7 de novembro de 2014

A ÚLTIMA CASA

NOTA 7,5

Refilmagem de obra dos anos 70

continua com tema atual e forte
explorando como a violência embriaga
e é combatida na mesma moeda

Não tem jeito. Filme de terror bom tem que ser antigo. Muita gente fala isso e de certa forma temos que concordar. Produções do gênero realizadas até meados da década de 1980 se beneficiaram do ineditismo ou do auge da liberdade dos jovens ávidos por algum contato com o que até então lhes era proibido, por isso o horror e o erotismo constantemente eram associados. No entanto, depois de ver a violência explícita e descabida de Jogos Mortais o que mais pode parecer tão assustador? Resposta: adaptar os sádicos e elaborados jogos para ambientações e situações mais próximas da realidade. A Última Casa (também conhecido como A Última Casa à Esquerda) é um thriller perturbador e que retrata um pouco da realidade escabrosa que vivemos, embora seja uma refilmagem de Aniversário Macabro dirigido e escrito em 1972 por Wes Craven, criador da série Pânico e que viria a ganhar a alcunha de mestre do terror anos mais tarde. A fita não foi um sucesso na época, mas ao longo dos anos passou a ser cultuada e seu próprio realizador aceitou assinar o remake como produtor confiando na atemporalidade da trama que nos apresenta à família Collingwood que viaja para uma afastada casa de campo para tentar esquecer uma tragédia. Mari (Sara Paxton) logo que chega ao local onde viveu bons momentos no passado decide rever uma antiga amiga, Paige (Martha MacIsaac), que a convida para passar a noite em sua casa. Os pais da garota, John (Tony Goldwyn) e Emma (Monica Potter), a deixam sair com o carro, mas ficam extremamente preocupados. Até parece que estavam adivinhando o que iria acontecer.

quinta-feira, 6 de novembro de 2014

INSTITUTO DE BELEZA VÊNUS

NOTA 8,5

Misturando romance, drama
e comédia, longa francês causa
identificação imediata com público
feminino e agrada plateias cults
O cinema francês infelizmente não goza de um grande prestígio no Brasil. Até mesmo entre os que gostam de produções do circuito alternativo existem aqueles que teimam na ideia de que os filmes oriundos da França são chatos, arrastados e na maioria das vezes não chegam a lugar algum, apenas um blá-blá-blá descartável. Porém, graças a Deus, existem exceções. Além de suas histórias dramáticas nos últimos tempos tornarem-se palatáveis a um público mais amplo, as comédias francesas também estão ganhando tramas de cunho universal, mas por outro lado é uma pena que elas recebam títulos que para muitos se tornam piada. Os estrangeiros tem a tradição de batizar suas obras cinematográficas com uma única palavra enigmática ou então capricham na escolha de elementos que aparentemente não refletem claramente a ideia do enredo, assim aguçando a curiosidade dos espectadores. E o que dizer de um título que realmente tem a ver com o conteúdo, mas que pode soar como piada? É o que acontece com Instituto de Beleza Vênus, uma elogiada produção feita sob medida para agradar as mulheres, entretanto, que já nasceu fadada a ser apreciada por um público restrito. Para os habituados a filmes mais cults o título é excepcional, mas para os espectadores de cinemas de shopping, ou melhor, para os fregueses de baldes de pipoca e copões de refrigerante nem é preciso dizer que eles caem na gargalhada logo comparando o nome do filme com o do salão de cabeleireiro da esquina. Para quem frequenta este tipo de estabelecimento provavelmente se identificará com algum ponto da trama que é centralizada na personagem de Angèle (Nathalie Baye), uma esteticista que prefere encontros casuais a manter um relacionamento sólido. Vivendo os dilemas e alegrias típicos de uma quarentona, ela já foi muito machucada e iludida no amor e não está mais na idade de acreditar em príncipes encantados. Cada novo homem que conquista é como se fosse um tratamento de beleza que lhe retira as marcas de expressões de uma vida relativamente triste, no entanto, concentrando a maior parte de seu tempo encerrada dentro do ambiente de trabalho é como se usasse as grandes janelas de vidro como escudo protetor de seus sentimentos, mas ainda assim usufruindo de certa forma do cotidiano do lado de fora.

quarta-feira, 5 de novembro de 2014

BAILA COMIGO

NOTA 5,5

Bonito visualmente e com
narrativa diferenciada, longa
não deslancha por conta de
personagens que não cativam 
Os filmes musicais, em seu formato mais tradicional, tiveram seu período de auge na Era de Ouro de Hollywood, caíram em declínio e voltaram à tona no século 21 graças as adaptações de sucessos da Broadway. Um ou outro longa original do tipo conseguiu se destacar. Por serem produções que geralmente tem custos ostensivos, alguns diretores acabaram encontrando um formato alternativo para a união de cinema, música e dança. No Balanço do Amor, Dança Comigo, Vem Dançar e Ela Dança, Eu Danço são alguns exemplos de filmes mais simples cujas tramas contemporâneas envolvem aulas e concursos de bailados dos mais variados estilos, mas tudo que é demais cansa. Difícil de classificar em um gênero específico, Baila Comigo foi recebido com frieza por público e crítica, já deixando no ar que palavras que fazem alusão ao mundo dos ritmos musicais não funcionavam mais como chamariz, ainda que sejam produções que contam com fãs cativos que procuram obras do tipo no mercado de aluguel ou exibição na TV. Contudo, o desprezo a este trabalho do diretor Randal Miller tem justificativas válidas, ainda que seja repleto de boas intenções, inclusive tentar inovar na maneira de como contar uma história cuja mensagem é um tanto batida: a dança pode mudar sua vida, assim como qualquer outra atividade que lhe proporcione prazer. Inspirado em um antigo curta-metragem do próprio Miller, que assina o roteiro em parceria com Jody Savin, a trama  se divide em três fases que vão se intercalando, cada uma fotografada com tons diferenciados para não confundir o espectador. A primeira, quase em preto-e-branco, mostra Frank Keane (Robert Carlyle) dirigindo o furgão de sua padaria por uma estrada quase deserta quando se depara com um acidente. Ao volante estava Steve Mills (John Goodman), praticamente se mantendo vivo pela pressão do volante que evita que seu obeso corpo ceda por completo. O padeiro chama o resgate e é aconselhado a tentar manter um diálogo com a vítima para mantê-la consciente, porém, não imaginava que esses minutos tensos mudariam os rumos de sua pacata vida. Mills revela que estava a caminho de um encontro muito importante, algo combinado ainda na sua infância. No 5º dia do 5º mês do 5º ano do novo milênio ele deveria comparecer na Escola Marilyn Hotchkiss de Dança de Salão e Etiqueta para se encontrar com Lisa (Camryn Manheim), um amor da juventude, aquela que seria a mulher da sua vida.

terça-feira, 4 de novembro de 2014

MALUCA PAIXÃO

NOTA 2,0

Sandra Bullock carrega nas costas
comédia sem graça e chata que
pretendia pegar carona no sucesso
de seus protagonistas na época
Sandra Bullock e Bradley Cooper protagonizaram dois dos mais rentáveis e divertidos filmes lançados em 2009, respectivamente A Proposta e Se Beber Não Case, mas ironicamente foram unidos em um dos maiores vexames daquele ano, a comédia Maluca Paixão. Para o ator este seria apenas mais um equívoco em uma carreira que começava a dar esboços de um futuro promissor, mas para a eterna “miss simpatia” o projeto poderia acarretar pontos negativos. Várias atrizes recusaram o trabalho, mas sabe-se lá porque cargas d’água Bullock não só aceitou protagonizá-lo como também assinar como produtora executiva. Na trama roteirizada por Kim Braker, do também irregular Licença Para Casar, a atriz dá vida à Mary Horowitz, uma criadora de palavras cruzadas que com seu vasto vocabulário, inteligência e extroversão exagerada estava prestes a se tornar uma solteirona convicta, pois dificilmente um homem conseguiria aturá-la. A própria já era ciente disso, tanto que não botava fé no encontro às escuras que seus pais lhe arranjaram, mas para sua surpresa Steve (Cooper) é um bonitão e isso é o bastante para ela se animar. O entusiasmo é tanto que ela acaba assustando o rapaz com seu apetite sexual voraz, mas também o entediando com seu jeito de tagarela, contudo, nem percebe que tomou um fora em velocidade recorde, porém, de forma educada. Apaixonada e acreditando que existirão outros encontros, ela simplesmente resolve demonstrar seu amor criando uma cruzadinha sem sentido a respeito das sensações que teve nesse rápido encontro, o que lhe custa o emprego no jornal. De qualquer forma, a essa altura do campeonato isso pouco importa, pois está certa que encontrou o homem dos seus sonhos e o fato dele trabalhar no meio jornalístico como cinegrafista encara como uma prova de que o destino está a favor do casal. Steve está sempre viajando para gravar as matérias, mas agora com tempo de sobra Mary está disposta a acompanhá-lo para onde for preciso. Para piorar as coisas, o jornalista Hartman (Thomas Haden Church), com quem Steve disputa mais visibilidade na emissora, vai se aproveitar da situação para atrapalhar a vida do rapaz.

segunda-feira, 3 de novembro de 2014

A ÚLTIMA MÚSICA

NOTA 6,0

Reunindo praticamente todos os
clichês possíveis para forçar
emoção,  longa agrada adolescentes,
principalmente pela protagonista
Em um passado não muito distante Hilary Duff era a imagem perfeita de uma pop star teen. Ela cantava, dançava e atuava, enfim, a personificação dos sonhos de muitas garotinhas. No entanto, a estrelinha cresceu e após uma adolescência atribulada por conta da carreira preferiu fugir um pouco dos holofotes e cuidar de sua vida pessoal, hoje aparecendo muito raramente em algum filme, talvez por ter ficado com a imagem muito atrelada a um único tipo de papel. Contudo, uma substituta para ocupar seu lugar no universo infanto-juvenil logo foi encontrada. Miley Cyrus estreou com o pé direito no seriado “Hannah Montana” e imediatamente caiu nas graças do público. Apadrinhada pelos estúdios Disney, que na época vibrava com o sucesso de High School Musical e Camp Rock, a personagem-título da série também foi parar nos cinemas e gerou centenas de produtos licenciados mundo afora. Só que Miley percebeu que de certa forma estava nada mais que reproduzindo sua própria vida interpretando a tal pop star e que no futuro isso poderia lhe prejudicar, assim quis alçar novos voos em sua carreira. O drama romântico A Última Música foi seu primeiro desafio para tentar desvencilhar sua imagem de atriz de um papel só, contudo, percebe-se que ainda estava longe disso. Ela dá vida à Ronnie Miller, uma adolescente que deixa a contragosto a agitada Nova York para passar as férias de verão no litoral na casa de seu pai Steve (Greg Kinnear). Ao contrário do irmão mais novo Jonah (Bobby Coleman), a garota não está nada animada em rever o pai após anos de separação de Kim (Kelly Preston), sua mãe, mas em compensação sua estadia na praia lhe proporciona conhecer Will (Liam Hemsworth), para variar, um dos rapazes mais desejados da área e cujo padrão de vida elevado revela-se uma barreira para esse amor se estender após o verão. Apesar da garotada se sentir atraída pela fita por conta do gancho romântico açucarado é bom deixar claro que o ponto forte do roteiro é a relação estremecida entre pai e filha, sendo que a paixão pela música parece o único elo existente entre eles e a única coisa capaz de uni-los, mas pelo título você já deve imaginar que o destino não irá permitir que muitas notas musicais embalem esse reencontro.

domingo, 2 de novembro de 2014

QUANDO OS MORTOS FALAM

Nota 1,0 Título indica uma grande obra acerca do espiritismo, mas longa revela-se um pastiche

Há títulos que enganam facilmente. Quando os Mortos Falam é um bom exemplo. Ele desperta a curiosidade para temas espíritas e aparentemente promete esclarecimentos a respeito dos mistérios que rondam as supostas comunicações entre vivos e mortos. Contudo, não é preciso nem dez minutos de filme para nossas expectativas irem por água abaixo. Com direção de Stephen Kay, do sonolento O Pesadelo que também promete bem mais do que cumpre, o longa é daqueles perfeitos para quem sofre de insônia e busca qualquer coisa nas sessões coruja da TV. Totalmente esquecível. Emily Parker (Anne Heche) é uma bela advogada de sucesso que conhece Billy Hytner (Jonathan LaPaglia) em um café. Logo ela descobre que o rapaz é o mais novo sócio do escritório em que trabalha, um sinal de que seu repentino interesse por ele teria uma mãozinha do destino. Os roteiristas Jennifer Hoppe, Mark Kruger e Nancy Fichman levam ao pé da letra a expressão do amor à primeira vista e logo o casal está dividindo a cama. Nada de anormal para os tempos atuais, mas a credibilidade do romance se esvai pela rapidez com que tudo acontece. No segundo dia de namoro Billy já oferece um anel de noivado, uma joia antiga com uma inscrição no interior. Não era uma herança de família, mas sim um objeto adquirido em um antiquário e que logo chama a atenção de Jeanie (Eva Longoria), amiga de Emily que com seu sexto sentido apurado sente uma vibração negativa vinda do anel. Realmente, depois que ganhou o presente a advogada passou a presenciar diversos eventos estranhos. Televisores e rádios ligam e desligam sozinhos, as luzes não funcionam quando preciso e a estranha aparição de uma mulher torna-se corriqueira. Intrigada, Emily vai até a loja onde seu noivo comprou o anel e descobre que ele pertenceu à Marie Salinger (Leigh Jones), uma jovem que em 1969 sumiu misteriosamente. Detalhe, mais tarde ela descobrirá que o dono do antiquário com quem conversou também já estava morto.

sábado, 1 de novembro de 2014

PROVA DE FOGO - UMA HISTÓRIA DE VIDA

Nota 7,5 Drama leve aborda vários assuntos importantes escamoteados por temática americana

Soletrar não é um hábito dos brasileiros, a não ser quando precisamos ditar palavras importantes ou nomes para alguém escrever. Há alguns anos um concurso do tipo na TV tratou de popularizar tal onda e incentivar escolas a fazerem o mesmo e assim estimular o aprendizado e a rapidez de raciocínio dos alunos. Já nos EUA os concursos de soletração são tradicionais e exigem de seus participantes tanto treino e esforço quanto um esportista antes de uma competição. O drama Prova de Fogo – Uma História de Vida dá uma boa visão sobre como essa atividade tem importância para os ianques, tanto que é equiparada a uma competição esportiva com direito a destaque na televisão, mas também sobre o quanto ela seria benéfica se incorporada à outras culturas. Akeelah (Keke Palmer) tem apenas onze anos, mas tem um inacreditável conhecimento sobre o universo das palavras. Admirado com esse dom, o diretor de sua escola a inscreve em um concurso regional de soletração e pede para que o Sr. Daniel Larabee (Laurence Fishburne), um conceituado professor de literatura, a treine, porém, a relação entre mentor e aluna será um tanto conflituosa. Além disso, a garota ainda terá que enfrentar a objeção de Tanya (Angela Bassett), sua mãe, o ciúme de sua melhor amiga e as diferenças sociais e raciais que parecem influenciar nos resultados dos concursos. Como qualquer bom filme-família, é óbvio que o happy end está garantido. Mesmo com todas as dificuldades, Akeelah consegue vencer as etapas classificatórias e chega à grande final nacional. Apesar da previsibilidade e das várias cenas com soletração não surtirem grande efeito para nós brasileiros, o longa do diretor e roteirista Doug Atchison se beneficia dos conflitos paralelos que nos fazem repensar atitudes e ideias.

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